Содержание

описание произведения «На даче. (Около дачи)», история, композиция, сюжет, стиль, жанр, техника написания, год создания, местонахождение

«На даче» — известная картина Ивана Ивановича Шишкина (Ivan Ivanovich Shishkin), созданная в 1894 году. Мастер изобразил летнюю березовую рощу. В центре композиции — девушка в белой блузе и темной юбке. Барышня сидит, задумчиво облокотившись о спинку скамейки, и вслушивается в птичьи трели. В левой руке — розовый зонт, рядом на лавочке — книга. Поляну обступили высокие березы с пышными кронами. Сквозь стройные ряды деревьев, которые купаются в лучах солнечного света, просматривается спокойная гладь пруда. Насыщенность листвы, едва уловимая рябь на воде, уютный желто-песочный покров земли на поляне радуют глаз сочностью, естественностью и свежестью. Пейзаж, выполненный в зеленой и охровой палитре, приглашает зрителя насладиться гармоничным единением человека и природы.

  • Название картины: «На даче. (Около дачи)».
  • Автор:
     Иван Иванович Шишкин (1832-1898 гг.).
  • Год написания: 1894 г.
  • Размер: 73,5 х 105,5 см.
  • Стиль: Реализм.
  • Жанр: Пейзаж.
  • Техника: Масляная живопись.
  • Материал: Холст.
  • Местонахождение: Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Казань.

Иван Шишкин — знаменитый русский живописец и гравер, мастер пейзажного жанра, творивший во второй половине XIX века. Картина «На даче. (Около дачи)» написана привычным почерком Ивана Ивановича в манере, напоминающей французских импрессионистов. Автор попытался зафиксировать момент, когда героиня сюжета, до этого читавшая книгу, отложила роман в сторону и погрузилась в мечтания. И это ему удалось в полной мере. Картина дышит ароматом теплого леса, а от хрупкой девичьей фигурки веет умиротворенностью.

В 1898 году Казанская художественная школа устроила выставку русского искусства, участниками которой стали некоторые преподаватели Академии художеств Петербурга. В их числе оказался и Иван Шишкин. Художник представил работы «На даче» и «Полянка». Легкость и живительность пейзажа «Около дачи» сразу привлекли внимание зрителей. Городские власти Казани обратились к мастеру с просьбой оставить произведение, глубоко впечатлившее публику, в Татарстане. Пейзажист, нежно любивший свою малую родину, с удовольствием согласился. По печальному стечению обстоятельств телеграмма с этой новостью была отправлена 8 марта 1898 года — в день смерти художника.

Картина «На даче» Ивана Ивановича Шишкина — одна из ярких жемчужин коллекции Казанского музея живописи. Шедевр привлекает внимание посетителей мастерским исполнением и поэтическим настроением.

5 книг, 10 картин — PORUSSKI.me

Культура дачи – это продолжение уникальной атмосферы духовности и творчества помещичьей России второй половины XIX века, это форма так называемого “усадебного мышления”, “строя деревенской жизни”, которая и по сей день находится в основах поведения современного человека.

 «Дача» — древнее русское слово, образованное от глагола «давать» («дати»). Также употреблялось в значении «дар», «подарок», «пожалование». В XVII веке слово «дача» встречается в обозначении земельного участка, полученного от государства. Во второй половине XVIII столетия слово «дача» употребляется  для обозначения загородного дома или небольшой усадьбы, расположенной недалеко от города. Используя этот термин, вы можете быть уверены в его исключительно русском происхождении, ведь “дача” – типично русское слово, не переводится на другие языки и связано с “нашим” своеобразным феноменом культуры.

Русские деятели искусства веками воспевали природу родных краёв. Редкий писатель или художник, проживая в крупном городе, не сбегал на время за город для уединения и размеренного отдыха. Поэтому наше культурное наследие крайне богато на словесные и художественные описания милых и любимых деревянных домиков, быта и самых разных мелочей, живущих из сезона в сезон по своим законам. С развитием городов появилось такое понятие “дача”, как дом для отдыха, а не для постоянного места жительства.

И раз за разом стали появляться характерные описания такого жилья и плавно и мирно текущего в нём времени. Мы хотим показать вам именно такие примеры в литературе и живописи.

Книги

 Иван Алексеевич Бунин | На даче


Антон Павлович Чехов | Вишневый сад


Фёдор Михайлович Достоевский | Идиот


 Максим Горький | Дачники


 Лиля Брик | Пристрастные рассказы

Живопись

Шагал Марк Захарович | Окно на даче

В июле 1915 года Белла Розенфельд стала женой Марка Шагала, после чего пара отправилась в деревню недалеко от Витебска, Заольшье. Эта дача принадлежала Розенфельдву. В это, – счастливое для молодоженов, – время и была написана картина «Окно на даче» – окно с видом на опушку березового леса, перед которым Шагал изобразил себя и супругу. Занавеска откинута, чтобы не мешать любоваться пейзажем, а два профиля Марка и Беллы расположены между пространством зрителя и мира, который находится за окном. Это и многое другое помогает  передать особую атмосферу гармонии и покоя.

Местонахождение: Государственная Третьяковская галерея


Иван Иванович Шишкин | На даче

Иван Иванович Шишкин очень любил заниматься изображением природы. Картина “На даче” была написана в 1894 году. Светлая гамма тонов предлагает окунуться в природный мир. Девушка, отложившая книгу, не спеша безмятежно слушает шум леса и пение птиц. Мягкие солнечные тени и отсутствие темных пятен помогают зрителю почувствовать одновременно прохладу листвы и жаркий полдень.

Местонахождение: Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Казань


Илья Ефимович Репин | На Академической даче

Академическая дача существовала на самом деле, она была создана 22 июля 1884 года общественным деятелем России Василием Кокоревым. Летом здесь работали 35 учеников Академии художеств и 2 ученика Московского училища живописи, ваяния и зодчества.  Неоднократно приезжал на Академическую дачу и Илья Ефимович Репин. Ученик «Академички» А.Г. Орлов писал другу: «7-го числа посетил дачу И. Репин и прожил два дня, написавши большой этюд, и подарил его даче… Играл в рюхи и пел песни во время отъезда (его провожали гурьбой), дал денег на четверть водки, которая и была моментально куплена и с ним же распита, причем кричали «ура!» и бросали вверх шапки».

Местонахождение: Государственный Русский музей


 Борис Кустодиев | На террасе

Картина “На террасе” была написана в 1906 году. Это глубоко лиричное и светлое произведение, написанное Кустодиевым, выделяется среди гораздо более ярких произведений художника. Особая, тонкая чувственность этой картины выражает любовь к людям, к домашнему очагу. Конечно, не сложно догадаться, что художник изображает именно свою семью, а не случайных героев. Здесь изображены его жена, дети, сестра с ее мужем и няня в обстановке их самого обычного вечера.

Местонахождение: Нижегородский художественный музей


 Константин Коровин | За чайным столом

Так называемые “жуковские” картины относят к первым, по-настоящему импрессионистским работам Коровина. “Жуковскими” они называются от названия деревни Жуковка, где располагалась дача друзей Коровина, куда он приезжал не только за отдыхом, но и за решением проблемы передачи световоздушной среды. В картине «За чайным столом» живописец изобразил Елену Поленову (она сидит спиной к зрителю), Наталью Поленову (сидит лицом), её сестру, молодую художницу Марию Якунчикову и друга семьи Вячеслава Зиберова. Создается эффект случайного кадра, присущий многим импрессионистам. Выявить жанр работы «За чайным столом» достаточно проблематично. Полотно вобрало в себя всего по чуть-чуть – внимательный зритель различит здесь и черты группового портрета, и жанровой сцены, и пейзажа, и натюрморта.

Местонахождение: Музей В.Д. Поленова


 Юрий Репин | На даче у Репиных

Юрий Ильич Репин – сын Ильи Репина. В России он, кажется, совершенно неизвестен, сведений о нем мало. Судьба художника закончилась трагически. Не будь Юрий Репин сыном своего отца, кто знает, быть может, жизнь его сложилась бы совсем по-другому, и он стал бы известным и успешным художником. Но груз ответственности, наложенный фамилией, оказался для Юрия непомерным. Даже самые успешные его картины не могли сравниться с шедеврами Ильи Репина.

Местонахождение: музей-усадьба И.Е. Репина «Пенаты»


Николай Быковский | На даче. Девочка за чисткой ягод

Николай Михайлович Быковский — русский художник, академик исторической живописи. Также занимался иконописью и настенными росписями в церквях, в частности Храма Христа Спасителя в Москве. На картине изображена дочь художника – Лидия Николаевна Быковская.

Местонахождение: Государственная Третьяковская галерея 


 Сергей Власов | Послеполуденный сон на даче


 Владимир Маковский | Кукольное представление на дачах


 Исаак Ильич Левитан | На даче в сумерки

Местонахождение: Ростово-Ярославский архитектурно-художественный музей-заповедник

 

фото, анализ, жанр, характеристика, краткая история создания и место хранения

 

И.Шишкин, “Около дачи”, 1894 год, Фото: upload.wikimedia.org

Картину “Около дачи” написал русский художник Иван Иванович Шишкин в 1894 году.

Шикарный подарок Шишкина землякам

В своем произведении автор приглашает зрителя погрузиться в сущность природы посредством потрясающей светлой палитры. Это ему удалось: вся картина пронизана свежим воздухом, красками и цветом.

В центре композиции – фигура девушки в белой блузе, сидящая на лавочке. Она отложила книгу в сторону, с упоением слушает птичьи трели и колыхание могучих деревьев. Очевидно, что она никуда не торопиться, а просто вышла отдохнуть и почитать в сад. В руках у девушки цветной зонт, которым она прикрывается от солнца, а ее расслабленная поза говорит о том, что она наслаждается уединением.

Пейзаж написан художником в светлых тонах, нет ни единого темного пятна. Для зрителя создается впечатление прохлады в летний жаркий день. Могучие деревья купаются в лучах теплого солнечного света, невесомы и прозрачны листья. Они будто загораживают, защищают героиню от яркого солнца, хотя настырные лучи стараются проникнуть через густоту листьев. Легко и мягко ложатся на землю тени от деревьев. Волшебный лес притягивает и манит ароматом и теплом. На заднем плане картины видна река, от которой веет прохладой и спокойствием.

Для своего пейзажа художник использовал краски зеленого и охрового оттенков. Они являются основными природными цветами растений и земли. Шишкин брал за основу заводские краски, так как считал, что это единственный способ надолго оставить цвета насыщенными и яркими. Своей сочностью и свежестью радует глаз зелень листьев и травы. 

Картина была представлена в Казани, на выставке русского искусства в 1898 году. Пейзаж привлек внимание публики и жители попросили художника оставить ее на родине. 

Художник очень любил родную казанскую землю, и с удовольствием согласился оставить картину землякам. На сегодняшний день картина находиться в Государственном музее изобразительных искусств Республики Татарстан.

Репродукция картины «Около дачи». Картина маслом на холсте «Около дачи»

  • Артикул:176955
  • Автор: Шишкин Иван
  • Рубрика:Деревья

В стоимость входит

  • Деревянный подрамник(видео)
  • Холст(видео)
  • Масляные краски (видео)
  • Работа Художника (видео)
  • Фурнитура для подвеса

Ваш заказ будет готов

17/01/2022

Удобная доставка

Доставка до «двери»

Работаем

Без предоплаты

Огромный ассортимент

Более 6000 картин

Последние отзывы

28.12.2021

Екатерина (Ангарск)

Все очень понравилось — три картины с ландышами, фотообои в одну и вторую детские комнаты! Изготовлено быстро и качественно, доставлено в срок. Спасибо персоналу и руководству Артлогикс! Все бы так работали!

Все отзывы >>

Рекомендуем картины

Размер: 68×50 см.

Рубрика Натюрморт

Размер: 41×50 см.

Рубрика Цветущие растения

Размер: 65×50 см.

Рубрика Разное

Картины в интерьере загородного дома

 

Картины в красивых рамах, написанные художниками или их копии, яркие постеры и просто фотографии, украсят стены любого загородного дома и сделают его интерьер привлекательным.   Однако для этого недостаточно просто пойти в художественный салон или просмотреть ассортимент интернет-магазина, купить понравившуюся и повесть её на свободном месте. Выбор и размещение живописного произведения должно быть сделано правильно, с учетом каждого помещения и его стиля оформления. Вот несколько полезных советов.

 

Для загородного дома с невысокими потолками лучше будут смотреться картины расположенные горизонтально. Традиционно их вешают над камином или диваном. Размер картины тоже имеет значение. Небольшие элементы декора в свободном пространстве интерьера просто затеряются.

Вешать картину на стену следует  так, чтобы её центр был расположен слегка выше уровня глаз. Если их несколько, да ещё разных размеров, то выравнивание идёт по нижнему краю рам. Вместе с тем для небольших картин допускается произвольное расположение по всей стене. Сейчас в моде модульные картины. Они представляют собой от двух до пяти сегментов одного изображения. Модульная картина в интерьере гостиной загородного дома над диваном – отличное решение.

 

 

В выборе сюжета картины конечно надо отдать предпочтение владельцам загородных домов. Вместе с тем здесь тоже можно дать несколько полезных советов.

 

Для гостиной выбор живописных произведений достаточно широкий. Здесь уместны городские, сельские и морские пейзажи, а также изображения птиц, цветов  и животных.

Выбор сюжета картины во многом зависит от стиля оформления гостиной. Если он классический, то к нему подойдет портретная живопись, пейзажи и натюрморты. Английскому стилю соответствуют изображения лошадей, собак и сцен охоты.   К стилю прованс подходят сельские пейзажи. Модульные картины без рам неплохо сочетаются со стилем фьюжен. Ну, а если интерьер загородного дома выполнен в стиле хай-тек, то на стену смело можно вешать картины с четко выраженной геометрией и различные абстракции.

Интерьер кабинета украсят картины с изображением автомобилей, яхт, водопадов, горных и морских пейзажей. В детской уместны постеры из любимых ребёнком мультфильмов и пейзажи с представителями фауны.  Неплохо устроить уголок на стене, где ребёнок будет вешать свои собственные рисунки. В интерьере столовой хорошо смотрятся насыщенные красками натюрморты с изображениями домашней выпечки и фруктов. В спальне актуальны пейзажи способствующие  расслаблению. Там не рекомендуют вешать картины с изображением людей и животных, которые могут создать ощущение присутствия постороннего.

 

Удачно подобранные картины украсят интерьер вашего загородного дома и создадут хорошее настроение.

Рецензия на фильм «Портрет незнакомца»: трагикомедия в духе Довлатова

20:17, 28.12.2021

В первый день 2022 года в прокат выходит ироничная зарисовка о пьющей, но симпатичной интеллигенции времен застоя.

Актер Олег Орлов (Юрий Буторин) играет в радиопостановке «Пароль всегда неизвестен» новую версию Штирлица — бизнесмена Джозефа Брауна, который борется с врагами социализма на далекой чужбине, в Америке. Из театра Олега поперли, как он сам уверяет — за аморальное поведение (хотя злые языки говорят, что артист Орлов попросту лишен таланта). Теперь же за аморальное поведение Олега выставила из дома жена Тамара (Полина Кутепова) — ей кто-то донес, что Орлов подбивает клинья к коллеге Леночке (Вера Строкова). Оставшемуся без определенного места жительства актеру только и остается, что глушить пиво у ларька с такими же неустроенными в жизни коллегами (Дмитрий Рудков и Андрей Михалев).

На свое счастье Орлов встречает у ресторана на Новом Арбате писателя Льва Николаева (Кирилл Пирогов) — талантливого, но сильно пьющего. Когда-то Николаев написал хороший современный роман о Великой Отечественной войне, а теперь он живет в просторной квартире и топит в алкоголе неизбывную русскую тоску. Никто не может добиться от писателя ни строчки, но Орлов почему-то его вдохновляет — настолько, что литератор поселяет актера у себя и соглашается накатать для него продолжение глупой шпионской радиопьесы. Так начинается череда событий, которая навсегда изменит жизнь Олега.

Юрий Буторин в фильме «Портрет незнакомца»

Картина Сергея Осипьяна «Портрет незнакомца» представляет собой набор трагикомичных зарисовок из жизни советской интеллигенции начала семидесятых годов. Вместе с Олегом Орловым мы заглянем на съемки военной драмы, побываем в «Доме кино» на празднике для важного иностранного гостя, посетим квартирник, примем участие в попойке на переделкинской даче и, конечно же, прокатимся на Лубянку в «черном воронке». Орлов очень много пьет и периодически отключается от количества выпитого, после чего нередко просыпается в незнакомой обстановке и пытается понять, что вообще происходит. Для зрителя в этом заключается особое удовольствие — сюжет картины развивается по непредсказуемой траектории, мы не можем представить, куда дальше занесет главного героя (ведь он сам этого не знает!).

Буторин наполняет своего персонажа почти абдуловским обаянием. У Олега Орлова не так много положительных качеств, но за счет сочетания внутренней теплоты с трагической усталостью он завоевывает сердце зрителя. Метания души актера столь же хаотичны и разнообразны, как и его пьяные путешествия по Москве и окрестностям. В один момент он мнит себя звездой и гением, в другой — порывается бросить все и уехать жить в деревню. Олег привык, что в его жизни от него ничего не зависит, а потому когда судьба сдает ему полную руку козырей, он даже не знает, как распорядиться этими картами.

Фильм Осипьяна наполнен довлатовской тоской «лишнего» человека, который не может найти свое место в жизни, не может реализоваться. Причем герои картины — не диссиденты, а просто безобидные, грустные и усталые алкоголики. Им никто сознательно не вставляет палки в колеса — Николаева так напротив за руки тянут к печатной машинке: напиши для нас, голубчик, хоть строчку! Просто такие вот они, непутевые. Но перед нами все-таки не драма, потому что каждая сцена наполнена также и довлатовской иронией.

Юрий Буторин и Кирилл Пирогов в фильме «Портрет незнакомца»

Все основные роли в «Портрете незнакомца» играют члены труппы театра «Мастерская Петра Фоменко», что понятно: Осипьян женат на актрисе этого тетатра Ксении Кутеповой. По замыслу режиссера Орлов, куда бы он ни шел, всюду встречает одни и те же лица. Так, видимо, подчеркивается мысль, что Москва — большая деревня. Коллеги из радиопостановки про шпионов преследуют Олега повсюду — и на съемках фильма, и на банкете. Даже дома у Николаева его ждет очень похожая на жену его героя женщина (Ксения Кутепова), читающая практически такие же нотации. Поскольку все актеры давно сыгрались друг с другом, мы видим на экране работу слаженного коллектива с неповторимой химией, где между двумя любыми персонажами пробегают искорки. Из-за этого порой возникает ощущение, что нас допустили на спектакль «для своих».

«Портрет незнакомца» не стоит расценивать как политический манифест, критику застойного прошлого или попытку дать характеристику поколению. Осипьян дает возможность увидеть кусочек жизни человека, который жил в другую (но похожую и на нашу!) эпоху, проникнуться его проблемами и будто бы почувствовать рукопожатие через десятилетия.

Смотрите фильм «Портрет незнакомца» в прокате с 1 января

Страна живописи: Balgo | NFSA

Страна живописи — увлекательная работа, предлагающая доступные объяснения искусства аборигенов. Художники являются одними из самых уважаемых художников в Австралии, и их нежная мудрость и достоинство делают впечатления от просмотра намного богаче.

Живопись Краткое описание страны

Балго — это центр художников-аборигенов на далеком севере Западной Австралии. Художники родом из этих мест за сотни километров.Через много лет они решают отправиться в путешествие по живописи на родину. Painting Country следует за внедорожниками в их путешествии, когда художники вспоминают свою страну и встречаются с родственниками.

Записки Дэмиена Парера

Дополнительные заметки куратора

Сила этого документального фильма заключается в том, что он позволяет зрителям получить доступ к древней философии, лежащей в основе работ этих художников из числа коренных народов. Это позволяет нам увидеть, что художники из числа коренных народов, задействованные в этом документальном фильме, заново переживают и записывают жизненный опыт, знания и мудрость, накопленные в течение их жизни, а также жизни тех, кто приходил сюда раньше.Он делает это, показывая нам связь с землей, ответственность за опеку над территорией и четкое понимание границ по отношению к земле, как они понимаются и согласовываются каждым художником.

Художники могут вспомнить достопримечательности с невероятной точностью и ясностью, а для зрителей есть моментальный взгляд на землю с точки зрения коренных народов. Внезапно земля, которая может показаться стороннему наблюдателю довольно устаревшей и без знакомых символов, оживает, и то, как художники населяют землю, как житель Запада жил бы в доме, становится основным фокусом фильма.Радость возвращения старейшин в деревню или рассказ о прошлых экспедициях по сбору еды — это суть самого искусства, и мы начинаем понимать, что именно жизнь художника и культурное наследие мудрости и знаний являются основой такого искусства. красивые работы. Хотя произведения искусства могут казаться простыми по дизайну и композиции, на самом деле они являются воротами в другую философскую традицию и мировоззрение.

Этот фильм представляет собой хороший пример нелинейного представления времени в понимании коренных народов.Например, истории личной жизни отдельных художников пересекаются с историями сновидений предков, и они воссоздаются в искусстве. Идея прошлого и будущего пронизана настоящим, и все повествования — прошлое и будущее — сплетены воедино посредством отношения к земле, представленной в произведении искусства.

Дополнительные примечания Ромэна Мортона

пейзажная живопись | искусство | Британника

Пейзаж , изображение природных пейзажей в искусстве.Пейзажные картины могут изображать горы, долины, водоемы, поля, леса и побережья и могут включать или не включать искусственные сооружения, а также людей. Хотя картины самых ранних античных и классических периодов включали природные живописные элементы, пейзаж как самостоятельный жанр не появлялся в западной традиции до эпохи Возрождения в 16 веке. В восточной традиции этот жанр восходит к Китаю 4 века.

В данной статье рассматривается только западная традиция.Для получения дополнительной информации о других традициях пейзажной живописи выполните поиск по стране или региону, например, китайская живопись, японское искусство, искусство Южной Азии: изобразительное искусство.

Британская викторина

Все в искусстве и дизайне (часть третья) Quiz

Хотите узнать немного обо всем в искусстве и дизайне? Начните с этой викторины, а затем переходите к трем другим частям!

Пейзажная живопись XVI, XVII и XVIII веков

Хотя пейзажная живопись по-прежнему не была самостоятельным жанром и считалась низшей ступенью в жесткой иерархии предметов художественной академии, фоновые пейзажи становились все более детализированными в композициях, появившихся в Венеции в конце 15 века.Пейзажи были заметны в работах Джованни Беллини ( Агония в саду , c. 1465; Святой Иероним, читающий пейзаж , c. 1480–85) и, немного позже, Джорджоне ( Буря , ок. 1505; Поклонение пастырей , 1505/10). К середине XVI века художники Северной Европы — особенно художники дунайской школы, такие как Иоахим Патинир и Альбрехт Альтдорфер — создавали картины, которые, хотя и часто были заполнены библейскими фигурами, действительно прославляли красоту природы сама по себе.Позже в 16 веке фламандский художник Питер Брейгель Старший стал мастером-пейзажистом, специализирующимся на красочных, детализированных живописных видах ( Пейзаж с падением Икара , c. 1558; Охотники на снегу , 1565 ; Жатки , 1565).

Джорджоне: Поклонение пастырей

Поклонение пастырей , картина Джорджоне, масло, 1505/10; в коллекции Национальной галереи искусств, Вашингтон, Д.C.

Предоставлено Национальной художественной галереей, Вашингтон, округ Колумбия, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1939. 1. 289

XVII век положил начало классическому или идеальному ландшафту, который изображал мифическую и идиллическую Аркадию древней Греции. Ведущими практиками классического пейзажа были итальянские художники французского происхождения Николя Пуссен и Клод Лоррен. Своими идиллическими сценами и классически упорядоченными, гармоничными композициями Пуссен и Клод пытались поднять репутацию пейзажного жанра различными способами: придавая метафорический смысл естественным элементам своих картин, изображая мифологические или библейские истории в тщательно продуманной форме. естественные условия, и подчеркивая героическую власть природы над человечеством.

Другая выдающаяся пейзажная традиция 17 века зародилась в Нидерландах в работах голландских художников Якоба ван Рейсдала, Эльберта Кейпа и Мейндерт Хоббема. Небо, часто зловещее облачное, заполняющее половину или больше холста, играло центральную роль в задании тона сцены. Голландские художники того периода наделили элементы своих композиций метафорическим значением и использовали визуальное воздействие маленьких фигур на обширном ландшафте, чтобы выразить идеи о человечестве и его отношении к всемогущей природе.

Центр пейзажной живописи в период рококо 18 века переместился из Италии и Нидерландов в Англию и Францию. Французские художники Антуан Ватто, Жан-Оноре Фрагонар и Франсуа Буше разработали лирические и романтические сцены на открытом воздухе, которые с точными деталями и тонкими красками прославляли природу. Их беззаботные пейзажи — fêtes galantes — представляли собой декоративные виньетки, наполненные красиво одетыми мужчинами и женщинами, наслаждающимися развлечениями и досугом на свежем воздухе.Пейзажную традицию английского рококо возглавил Ричард Уилсон, который рисовал как в Италии, так и в своей родной Англии. Его самая известная картина « Сноудон из Ллин Нантл » ( c. 1765), на которой изображена группа из трех человек, ловящих рыбу на озере, обрамленном горами, иллюстрирует его безмятежный стиль. Среди других известных английских пейзажистов — Томас Гиртин, Джон Роберт Козенс и Томас Гейнсборо (который также был хорошо известен своими портретами).

Романтический пейзаж и первая половина XIX века

Художники-пейзажисты XIX века восприняли широкое распространение романтического движения и наполнили свои композиции страстью и драматизмом.Это было в 19 веке, когда пейзажная живопись окончательно превратилась в респектабельный жанр в художественных академиях Европы и приобрела сильных поклонников в Соединенных Штатах. В Англии двумя выдающимися пейзажистами были Джон Констебл и Дж. М. У. Тернер. Оба художника работали с размахом, чтобы выразить силу природы. Они оба были мастерами запечатлеть на холсте атмосферные свойства погоды. Констебль, однако, работал реалистично с высокой степенью точности в своих пейзажах английской сельской местности, тогда как Тернер, особенно в более поздние годы своей карьеры, создавал дико экспрессионистские и атмосферные морские пейзажи, граничащие с абстракцией.

В Германии романтический пейзаж был воплощен в творчестве Каспара Давида Фридриха, картины которого были наполнены эмоциональным и религиозным символизмом и могли быть интерпретированы аллегорически. Картина Фридриха «Крест в горах» ( c. 1808) — картина с изображением распятия, освещенного солнечными лучами на вершине горы, — выражает духовное чувство посредством природных элементов. Французские художники Жан-Франсуа Милле, Шарль-Франсуа Добиньи, Теодор Руссо и другие были частью барбизонской школы (1830–70-е годы), группы, которая рисовала в лесу Фонтенбло и вокруг него.Художники, хотя и были слабо связаны друг с другом, были объединены интересом к запечатлеванию тщательно наблюдаемой природы. Они избегали формальных сбалансированных композиций своих предшественников в пользу более правдивого, хотя и менее гармоничного, изображения своего окружения.

В Соединенных Штатах художники школы реки Гудзон (1825–1870 гг.) Располагались в долине реки Гудзон в Нью-Йорке. На картинах гор Кэтскилл, реки Гудзон и дикой природы Новой Англии и за ее пределами художники запечатлели драматические эффекты света и тени, мельчайшие детали своего предмета и прославили уникальную красоту еще нетронутых областей Американский пейзаж.Первые участники группы — Томас Коул, Ашер Б. Дюран и Томас Даути — вдохновили многих молодых художников, включая Фредерика Эдвина Черча, Фитца Генри Лейна, Джаспера Кропси, Альберта Бирштадта и Мартина Джонсона Хида. Изобретение оловянной трубки для краски (1841 г.) и изобретение портативного складного мольберта (также в середине 19 века) произвело революцию в жанре пейзажа, позволив художникам выходить из студии и изучать и рисовать свои предметы из первых рук. Живопись на открытом воздухе стала доминирующей практикой художников-импрессионистов конца 19 века.

Музыка кантри в одной картине и заключительная пьеса Томаса Харта Бентона — Музыкальное деление

Чтобы начать с клише, картина рисует тысячу слов. В случае Томаса Харта Бентона его последняя картина не только говорила тысячу слов, но также отражала дух музыки кантри и ее историю.

Бентон родился в Неошо, штат Миссури, в 1889 году, но его отец имел в виду не искусство. Бентон был неудачным продуктом отца, который пытался вырастить из своего сына то, кем он в конечном итоге не был.Он хотел улучшить свои художественные навыки, и его мать поддерживала это. В конце концов, она была пианисткой. Она понимала искусство, даже если оно иного рода. Ее отец был скрипачом и музыкантом.

К счастью, мать Бентона взяла верх в своем желании, чтобы мечта сына стала реальностью. У него появился шанс осуществить свою мечту в подростковом возрасте, когда его наняли художником-карикатуристом в газету Joplin American в Джоплине, штат Миссури. В 1907 году он поступил в Художественный институт Чикаго, чтобы продолжить учебу.Здесь он научился рисовать.

Если говорить о более юмористической (то есть менее серьезной) ноте, Бентон, возможно, даже был первым «преступником», связанным с музыкой кантри. Он появлялся во времена революционных форм искусства. Неожиданно у вас появился Бентон, который рисовал картины, отражающие американскую жизнь и, что более важно, людей, которые тяжело работают. Некоторые из них были слишком прогрессивными для своего времени или неправильно понятыми, и Бентон не получил первоначального одобрения критиков.

Тем не менее, это не означало, что у него не было своих поклонников.Живя в Нью-Йорке, Бентон создал свой первый набор фресок под названием The American Historical Epic . Это показало его интерес к пионерской жизни.

Бентон наконец стал известен широкой публике в 1932 году, когда штат Индиана поручил ему создать фреску для павильона Индианы на Всемирной выставке 1933 года в Чикаго. Поскольку это было время Великой депрессии, Бентон стремился связать свой фрески с рабочим классом.

На самом деле, это не сильно отличается от того, чтобы быть артистом другого типа (певцом).У Бентона было послание, как и у настоящих художников, и он использовал все необходимые средства, чтобы достучаться до своей аудитории.

Бентон фактически взял в руки губную гармошку в 1931 году. Сначала он просто возился с ней, но в конце концов он научился играть на гамме, что волновало его, как ребенка, входящего в кондитерскую.

Сначала он играл немного больше, чем детские песни, но через некоторое время перешел на более совершенную губную гармошку. Он и его жена Рита, как известно, по вечерам вместе играли на гитаре и губной гармошке у себя дома.

Бентон на самом деле настолько улучшился, что изобрел новую форму нотной записи, которая позже была принята и до сих пор используется коммерческими музыкальными издателями. Согласно Залу славы музыки кантри, «вместо того, чтобы указывать положение ноты на шкале, эта система указывала численно, через какое отверстие нужно продуть, и имела стрелку вверх или вниз, указывающую, нужно ли вдыхать или выдыхать».

В 1941 году Бентон записал на Decca Records альбом из трех пластинок под названием « Saturday Night at Tom Benton’s ».Конечно, Бентон был прежде всего художником, но именно его любовь к музыке привлекла внимание Фонда музыки кантри.

В 1973 году ковбойский певец Текс Риттер и директор Комиссии по делам искусств Теннесси Норман Уоррелл посетили Бентон в Канзас-Сити. Бентону в то время было восемьдесят четыре года, и он вышел на пенсию. Риттер посоветовал Бентону создать картину, обобщающую корни музыки кантри, посеяв семена того, что станет последней картиной Бентона.

Как Бентон мог устоять? Это был еще один шанс прославить американские традиции, и из всех музыкальных жанров кантри наиболее подходила для этого вида живописи.

Дублированный Источники музыки кантри , несмотря на то, что на этой картине изображены люди, делающие что-то в одно и то же время, все еще существует ряд перекрывающихся виньеток, изображающих их культурный контекст. Женщина слева играет на горных цимбалах, босиком в траве (на первый взгляд сложно сказать). За ней идет дирижер, ведущий группу, поющую а капелла из сборника гимнов. Предполагается, что это палатка возрождения.

Двое мужчин играют на скрипке танцующим парам рядом с ними.Конечно, рядом есть и самогон. Афроамериканец в джинсовом комбинезоне играет на банджо в стиле молотка. Ковбой тоже может быть самым интересным персонажем из всех, с его поясом, ботинками, шпорами, ружьем и одной ногой в том, что предположительно является юго-западной пустыней, с другой ногой на седле. Вы также можете вообразить кого-то вроде Джимми Роджерса, едущего на том поезде.

И, конечно же, это самые ранние стадии кантри (что, если следовать «последнему» музыкальному дополнению к этой фотографии ковбоя, означает, что «кантри» перестало существовать как термин для того, что мы называем музыка сегодня).Здесь нет стальной гитары, мандолины, электрогитары, фортепиано и оркестровых струн.

К январю 1974 года Бентон представил свой первый набросок Совету Фонда. Фреска в конечном итоге была посвящена Риттеру, так как он умер незадолго до завершения работы над ней. В конце концов, именно он вдохновил Бентона на создание последней детали. Я почти уверен, что есть причина, по которой ковбой слишком подчеркнут на этой картине (поезда и ковбоя не было даже в его первоначальном эскизе, который он представил доске).

Он закончил полотно 18 января, немного раньше срока. В тот вечер после ужина Бентон сказал жене, что хочет в последний раз взглянуть на фреску. Если он решит, что оно завершено, он подпишет его. В конце концов, он все еще пытался усовершенствовать поезд после стольких попыток, и мы никогда не узнаем, как он хотел выглядеть.

Около 20:30 Рита вышла за ним, потому что он так поздно был на улице. Она нашла его лежащим на полу в очках прямо перед фреской в ​​Нэшвилле.У него случился сердечный приступ, и он упал на свои наручные часы, которые остановились в момент его смерти: пять минут девятого. Картина остается без подписи. Картина, которая сейчас стоит 1 миллион долларов, находится в Зале славы и музее музыки кантри.


Эта работа написана благодаря следующим источникам:

Нравится:

Нравится Загрузка …

Связанные

Почему самая культовая картина в истории страны так и не была закончена

«Источники музыки кантри» Томаса Бентона

Стоя посреди ротонды Зала славы кантри-музыки в Нэшвилле, штат Теннесси, трудно не почувствовать тяжесть картины. история музыки кантри, впечатляющая сама себя.Помимо мемориальных досок призывников и всего величия, которое олицетворяет их музыка, символизм Зала довольно силен: жирные буквы с вопросом «Будет ли круг неразрывным?», Окружающие пространство, антенна, обозначающая историю музыки кантри с радио, спускающимся из потолок и направленный вниз к полу, и соответствующая антенна, излучающая вверх в небо, и цилиндрическая форма самой камеры, придающая цикличность музыки кантри, помогая передать, как музыка кантри всегда была продолжением того, что всегда было , и то, что всегда будет.

Но стоящая в стороне от всей этой симметричной символики и самое первое, что встречает ваш взор, когда вы входите в ротонду, — это картина под названием «Источники музыки кантри». Фреска размером шесть на десять, заказанная Фондом музыки кантри в 1975 году, изображает все разрозненные, но взаимосвязанные влияния музыки кантри, объединенные в одном месте, от евангельских гимнов, исполняемых хором, до исполняемой горной музыки и кадриль. мелодии, ковбойские певцы с запада, блюз и банджо, влияние афроамериканцев, поезд и гудок парохода — все это воплощено в этой культовой картине, которая определяет музыку кантри лучше, чем любые слова или фразы.

Картина является работой Томаса Харта Бентона из штата Миссури, который был частью регионального художественного движения, наиболее популярного в середине 30-х годов. Бентон написал много известных работ, в том числе другие фрески, на которых изображены несколько персонажей в его очень скульптурном, округленном стиле, который был его визитной карточкой и пользовался уважением в свое время. Томас Бентон написал множество известных картин, в том числе Ахела и Геркулеса , которые он закончил в 1947 году и сейчас находится в Смитсоновском художественном музее в Вашингтоне.

К 1975 году Томасу Бентону исполнилось 85 лет, и он не знал, хочет ли он заняться еще одним крупным проектом. Но при поддержке звезды кантри Текса Риттера он приступил к работе над «Источниками музыки кантри» в своем каретном доме в Канзас-Сити. Частично заказанный через благотворительный фонд, Томас получил 60 000 долларов за завершение работы над картиной. Ни один из 17 персонажей почти в натуральную величину, изображенных на фреске, не должен быть конкретным исполнителем, за исключением ковбоя. Это версия Текса Риттера Томасом Бентоном.

Но официально Томас Бентон так и не закончил картину. И, возможно, он и по сей день остается незавершенным. 19 января 1975 года 85-летний мужчина сказал своей жене, что идет в каретный двор, чтобы решить, закончил ли он, наконец, «Источники музыки кантри». А если да, то он, наконец, подпишет его и отправит в Фонд музыки кантри. По прошествии некоторого времени Томас не вернулся в дом, и его жена вышла проверить его. Именно там она нашла его упавшим на пол мертвым от сердечного приступа, а картина все еще не подписана.

«Источники музыки кантри», заказанный за 60 000 долларов, сейчас оценивается более чем в 1 миллион долларов и является самым дорогим активом, принадлежащим Залу славы и музею музыки кантри, не считая самого здания и собственности. Картина даже ценится выше многих легендарных инструментов музыки кантри и других памятных вещей, хранящихся в обширном архиве музея. Картина настолько ценна, что на протяжении многих лет она использовалась в качестве залога для получения ссуд для проектов улучшения и расширения Зала славы и музея.

В ротонде Зала славы кантри-музыки практически ничего не начинается и ничто не заканчивается. Все это — сочетание непрерывных линий и элементов, символизирующих цикличность музыки кантри. «Источники музыки кантри» можно рассматривать как единственное исключение, причем исключительное, поскольку оно привлекает такое внимание как центральный элемент пространства. Но, оставаясь незавершенным, он оставляет произведение открытым и бесконечным, как и сама история кантри.

Художественные репродукции «Источника музыки кантри» Томаса Харта Бентона

«Источник музыки кантри» станет последней картиной Бентона.Пять отдельных сцен представляют американские народные обычаи и отдают дань уважения Рексу Риттеру, который убедил Бентона согласиться на заказ Нэшвилла на роспись фрески. Прекрасное дополнение к любому американскому дому, в котором отражается наше музыкальное наследие на плакатах, бумаге для художественной печати или холсте.

Узнайте больше о нашей коллекции Томаса Харта Бентона.

Узнайте больше о Томасе Харте Бентоне, посетив наш блог Artist Highlight.

Распечаток на холсте: Самый точный вариант изобразить картину маслом.Закажите холст в рулоне, классический натянутый (требуется обрамление), в галерее (поставляется готовым к развешиванию без рамы) или в виде принта на холсте в рамке в одном из наших изысканных молдингов.
Распечатки на бумаге: Плотная, ярко-белая, матовая бумага с легкой текстурой «холодного отжима». Закажите бумажный принт в рамке, и он будет готов к развешиванию!
Плакаты: Атласная бумага для неформального использования, например, в классных комнатах или общежитиях. Не рекомендуется для обрамления.
Карточки для заметок: Напечатаны цифровым офсетом на фальцованной яркой белой, гладкой и плотной бумаге 5 x 7 дюймов.В сопровождении белых конвертов.
Цифровая загрузка: Цифровой файл с низким или высоким разрешением, отправленный вам по электронной почте по ссылке FTP в течение 24 часов.

Подробнее в нашем руководстве по продукту

Политика возврата: Мы понимаем, что покупка произведений искусства в Интернете — непростая задача. Вот почему у нас есть 100% гарантия и честная политика возврата в течение 15 дней. Узнай больше об этом здесь.

Доставка: Большинство распечаток обрабатываются и отправляются в течение 2-7 рабочих дней.

Encore Editions Качество: Чего вы можете ожидать? Полностью индивидуальный настенный художественный декор, разработанный вами и изготовленный нами. Будь то печать на холсте, плакат, печать в рамке, карточки для заметок или загрузка в цифровом формате, все наши художники уделят особое внимание деталям. Мы используем только лучшие архивные материалы для ваших репродукций изобразительного искусства и отправляем их прямо из нашей студии в Пенсильвании.

проселочных дорог: 12 картин сельских пейзажей

Сельские пейзажи> Обсаженные деревьями изгибы и повороты узких проселочных улочек обещают приключения и открытия, а для некоторых — ощущение возвращения домой.12 живописных пейзажей, представленных здесь, заставляют задуматься о том, что находится прямо за холмом или за следующим поворотом.

1. «Середина утра» Джилл Стефани Вагнер

MidMorning
Джилл Стефани Вагнер
2019, масло, 12 x 16 дюймов
Доступно в Castle Gallery, Уэйн, IN
Пленэр

2. «Столетия» Лори Патнэм

Столетия
Лори Патнэм
2020, масло, 24 x 30 дюймов
Доступно на сайте 1225Gallery.com
Студия из пленэров

3. «Царь горы» Джеймса Фэке

Король горы
Джеймс Фэке
2021, акварель, 10 x 14 дюймов.
Доступно у художника
Пленэр

4. «Куда это нас приведет?» Поппи Бальзер

Куда это нас приведет?
Поппи Бальзер
2019, акварель, 11 x 14 дюймов
Доступно у художника
Студия с пленэра

5. «Проселочная дорога», Дженнифер Рифенберг

Проселочная дорога в
Дженнифер Рифенберг
2017, пастель, 8 x 8 дюймов
Доступно у художника
Пленэр

6. «Большой серый амбар» Джима Рехака

Big Grey Barn
Jim Rehak
2019, масло, 12 x 16 дюймов.
Имеется у художника
Пленэр

7. «Церковь на острове Смит» Джули Райкер

Церковь на острове Смит
Джули Райкер
2019, масло, 8 x 8 дюймов
Доступно в галерее Les Poissons, Честертаун, штат Мэриленд,
Пленэр

8. «Вид из долины Спрус-Крик» Джин МакКинни

Еловая долина Виста
Жанна МакКинни
2014, пастель, 18 x 24 дюйма
Частная коллекция
Пленэр

9. Марти Уолкер «Путь, который редко выбирают»

Редкий путь
Марти Уокер
2014, пастель, 9 x 12 дюймов.
Частная коллекция
Пленэр

10. «За углом» Дэвида Бойда-младшего

Вокруг угла
Дэвид Бойд мл.
2016, масло, 12 x 12 дюймов
Частная коллекция
Пленэр

11. «Долгая дорога» Бренды Пинник

The Long Road
Бренда Пинник
2021, масло, 30 x 40 дюймов
Доступно у художника
Студия из пленэра

12. «Апрельские ливни» Шерил Найт

Апрельские души
Шерил Найт
2021, масло, 18 x 24 дюйма
В наличии в галерее антикварного искусства Solvang
Студия из пленэра

Посетите EricRhoads.com , чтобы узнать обо всех удивительных возможностях для художников с помощью Streamline Publishing, в том числе:
— Интернет-конференции по искусству, такие как Plein Air Live
— Новые видео-семинары для художников
— Невероятные ретриты по искусству
— Образовательные и развлекательные собрания по искусству и многое другое .

> Подпишитесь на Plein Air Today , бесплатный информационный бюллетень для художников
> Подпишитесь на PleinAir Magazine , чтобы не пропустить выпуск

Предыдущая статьяСмешивание цветов для художников: как смешать идеальные цветаСледующая статьяОсновные моменты первого журнала Pastel Live

PleinAir Magazine и главного редактора American Акварель Weekly Келли Кейн имеет более чем 20-летний опыт публикации произведений искусства.Она взяла интервью у многих выдающихся художников нашего времени и написала множество статей о живописи, рисовании, художественном образовании и истории искусства.

Живопись в Нидерландах

Наследие Средневековья и Возрождения.

Низкие страны — это территория, которая сегодня включает современные Бельгию, Нидерланды и Люксембург. В течение пятнадцатого и шестнадцатого веков в этой области возникла сложная культура художественного потребления, особенно во Фландрии, голландско-говорящей провинции, которая в то время была доминирующим торговым центром южных Нидерландов.Развитие фламандской живописи шло рука об руку с стремительным подъемом герцогства Бургундского к известности в регионе, а также с быстрой урбанизацией этого района. Как коммерческий регион, жители Нижнего Страны были открыты для влияний со всей Европы, но культурные контакты всегда были наиболее тесными с Францией и торговыми центрами Италии, наиболее важными торговыми партнерами фламандских городов. В конце пятнадцатого века Нидерланды попали под контроль Габсбургов, и в результате далеко идущей брачной политики династии этот регион вскоре оказался в орбите Габсбургской Испании.Эти отношения всегда были непростыми. К 1600 году жители Нидерландов вели жестокую войну за независимость против Испании, последствиями которой стало окончательное освобождение северных голландских графств от контроля Габсбургов. Южная часть Нидерландов, из которых Фландрия была самой большой и богатой провинцией, должна была остаться под испанским господством. По мере того как война распространилась по региону, войны превратились в нечто большее, чем просто движение за политическую независимость, приняв характер широко распространенного религиозного конфликта.На севере строго пуританские доктрины кальвинизма доминировали в городах графства Голландия, в то время как испанский контроль на юге поддерживал католицизм и преследовал многих протестантов и евреев, которые когда-то процветали в городах этого региона. С признанием голландской независимости в начале семнадцатого века культура северных и южных Нидерландов начала довольно быстро и окончательно расходиться. Хотя оба региона по-прежнему имели много общих черт языка и обычаев, южные Нидерланды (нынешняя Бельгия) превратились в яростный католический бастион, в котором образование и искусство активно поддерживались испанской знатью и ее дворами.На севере, на территории современной Голландии, преобладал иной курс. Теперь это была преимущественно кальвинистская страна, хотя в течение семнадцатого века там стали терпимо относиться к меньшинствам католиков, евреев и многих других религий. В частности, сюда стекались многочисленные еврейские, анабаптистские и кальвинистские эмигранты из Антверпена и других южных городов Нидерландов. В результате царившей там беспрецедентной атмосферы религиозной терпимости, Голландия стала свидетелем невероятного роста населения и благосостояния.Южнее находились древние города Брюгге и Гент. Когда-то динамичный Антверпен тоже вступил в длительный период упадка, когда его гавань была закрыта в 1648 году в результате Вестфальского мира. Эти различия в религии, культуре и экономической жизни повлияли на все еще активный рынок живописи, процветавший в обоих регионах на протяжении всего семнадцатого века.

Фламандская живопись.

Южные Нидерланды, которые по давней, но неправильной практике были идентифицированы как «Фландрия», имеют давние и выдающиеся традиции достижений в изобразительном искусстве.В течение пятнадцатого века ряд мастеров, начиная с Яна Ван Эйка и Лукаса ван дер Вейдена, развили традицию фламандского реализма, которая конкурировала с великими экспериментами в области натурализма, проводившимися в то же время в Италии. Фламандские нововведения в масляной живописи жадно изучались и копировались повсюду в Европе, особенно в Венеции и северной Италии, где новые техники были быстро освоены в течение шестнадцатого века. На заре эпохи барокко в этом регионе существовал активный рынок запрестольных образов, религиозных образов и портретов, а также процветала ремесленная традиция живописи, зародившаяся в более позднем средневековье.Однако примерно в 1600 году на этой сцене появилась фигура Питера Пауля Рубенса (1577–1640). Фигура столь же важна в Северной Европе, как Микеланджело в Италии в шестнадцатом веке, его художественное видение заключалось в том, чтобы преобразовать живопись в Нидерландах и по всей Северной Европе. Чрезвычайно плодовитый и подпитываемый гением провидца, его влияние распространилось далеко за пределы Антверпена, города, в котором он провел большую часть своей продуктивной жизни. Его искусство выражало определенные ключевые визуальные ценности барокко, включая стремительное и динамичное чувство движения, а также драматическую монументальность, которую многие художники того времени стремились усовершенствовать.Рубенс также основывался на ценностях Высокого Возрождения, объединив идеи искусства его мастеров с его североевропейской любовью к реалистичному изображению и пейзажу. Используя свое понимание итальянских мастеров, а также свои собственные местные традиции, Рубенс привел пример, которому подражали фламандские и голландские художники в великое столетие художественных достижений, которое положила его карьера.

Жизнь и ранние творчество Рубенса.

Питер Пауль Рубенс родился не во Фландрии, а в Германии, где его протестантская семья укрылась во время религиозных войн в своей родной стране.В возрасте одиннадцати лет он приехал в Антверпен, где обратился в католицизм и поступил в латинскую школу, чтобы получить основательные знания в области классики. Предназначенный для карьеры дипломата, его послали служить пажем при дворе соседней графини. В это время он также начал рисовать и вместо того, чтобы продолжить свою карьеру дипломата — профессия, к которой он вернулся позже в жизни, — он вступил в гильдию художников в Антверпене. Благодаря своим связям в Антверпене он получил назначение придворным художником Винченцо Гонзага, герцога Мантуи.Несмотря на то, что ему дали ряд обязанностей в герцогском доме, он был оставлен в значительной степени свободным на несколько лет для поездки по Италии. В этих поездках он отточил свое понимание искусства Высокого Возрождения, чего он до сих пор знал только по гравюрам. К 1602 году он добрался до Рима, где он получил серию из трех заказов от церкви Санта-Кроче. В то время на его искусство сильно повлиял великий стиль венецианцев с акцентом на великолепный цвет и монументальный масштаб.Однако в Риме он лично познакомился со многими произведениями Рафаэля и Микеланджело, прежде чем в следующем году был отправлен с дипломатической миссией в Испанию. Когда он вернулся в Италию, он некоторое время работал в Генуе, прежде чем вернуться в Рим. Во время этой второй поездки он более внимательно изучил работы Аннибале Карраччи, что оказало большое влияние на его творчество, которое привело его к развитию грандиозного и быстрого чувства движения в его более поздних работах. В 1608 году Рубенс вернулся в Антверпен, где получил ряд запросов на картины от городских торговцев полотном и офицеров гильдии.Он взял на себя многие из этих заказов для общественных мест. Его знаменитый Снятие с креста (1612–1614) был завершен для городского собора, и он все еще висит там сегодня. Этот шквал создания имиджа имел в то время политическое и религиозное значение. В предыдущих поколениях Антверпен был религиозно смешанным городом, в котором католики, кальвинисты и анабаптисты боролись за преимущество. В 1566 году вспышка жестокого иконоборчества привела к уничтожению значительной части религиозного искусства.Десять лет спустя восставшие испанские солдаты разграбили город, а в 1585 году испанские войска осадили город, и он пал перед Филиппом II. Вскоре после этого голландские войска блокировали Шельду, выход Антверпена к морю. После этого длительного периода беспорядков население города резко сократилось с максимального уровня примерно 100 000 в середине XVI века до примерно 40 000 в 1590 году. В результате растущей нестабильности Антверпена, его кальвинистов, анабаптистов и большое количество его купцов мигрировало на север, в Голландию или в Германию и Францию.Семья Питера Пауля Рубенса действительно была среди этих беженцев. Однако к 1610 году католическое будущее Антверпена казалось обеспеченным, и те католические купцы и патриции, которые остались в городе, теперь прибыли, чтобы отпраздновать торжество своей веры рядом произведений религиозного искусства, предназначенных для восстановления и обновления пришедших в негодность церквей. -ремонт в двух предыдущих поколениях. И кальвинисты, и анабаптисты выступали против использования религиозных изображений в церквях как нарушения запрета Десяти заповедей на «идолы».«Чтобы продемонстрировать большую восприимчивость и терпимость католицизма к религиозному искусству, в городских церквях должны были разместиться новые работы. Благодаря своим знаниям о последних нововведениях в итальянском искусстве, Рубенс вскоре стал художником, пользующимся уважением в Антверпене, чтобы выразить чувство возрождения католической церкви.

Стиль Рубенса в стиле высокого барокко.

Сам Рубенс был членом старинной и выдающейся антверпенской семьи, и благодаря своему образованию и поездкам по Италии он вскоре стал доминирующим художником в мире искусства. местная сцена.Отчасти первые годы в его родном Антверпене были наполнены проблемами адаптации к жизни в консервативном католическом климате его родного города. Развивающийся дух католической Реформации требовал, чтобы послания религиозного искусства были простыми и убедительными. В Антверпене, однако, покровители и религиозные учреждения иногда использовали эти требования, чтобы уговорить Рубенса вернуться к традиционным и, по его мнению, устаревшим условностям позднесредневекового искусства. Другими словами, они требовали символов и иконографии, которые были бы ясно понятны массам, чтобы смысл его работ не был истолкован неверно.Однако в Италии Рубенс был очарован искусством Караваджо, Аннибале Карраччи и Караваджисти. И Караваджо, и его последователи стремились представить религиозные темы в обстановке, которая выглядела как повседневная жизнь, в то время как героическое и идеализированное искусство Карраччи отдавало предпочтение сильно мускулистым изображениям человеческой формы, часто обнаженной или частично обнаженной. В течение 1610-х годов Рубенс экспериментировал с объединением этих элементов таким образом, чтобы не оскорблять местных чувств, хотя героические размеры, которые он заимствовал у Карраччи и других римских художников того времени, должны были постепенно доминировать в его искусстве.В то же время он стремился запечатлеть драматизм, присущий использованию Караваджо светотени , то есть контраст светлых и темных пассажей на холсте. В эти годы художник также побывал во многих дипломатических миссиях в провинциях южных Нидерландов, и в этом качестве он свободно перемещался в аристократических кругах. Всегда образованный и утонченный, Рубенс был вынужден разработать почти индустриальную производственную систему, чтобы выполнить многочисленные заказы, которые он получал.Его покровители настаивали на том, чтобы его работы были большими, поскольку многие из них предназначались для демонстрации в соборных церквях, монастырях и других учреждениях. В то же время мода на эпоху во всем тяготела к монументальности. Чтобы покрыть эти огромные панно и холсты, Рубенс полагался на армию помощников, которые рисовали рисунки, которые он набросал первым. Во многих случаях он возвращался к этим работам только для завершения мазков кисти. Сегодня такая техника может показаться простой, но как метод она блестяще сработала под руководством великого художника.На самом деле Рубенс был эрудитом, мастером многих различных искусств и областей знания. Посетители его мастерской отмечали, что кто-то мог читать латинскую историю художнику из одного угла, в то время как в другом месте он вел беседу с интеллектуалом из другого. До него он мог работать над холстом, одновременно диктуя письмо секретарше. Этот невероятно плодородный ум и чувство энергии просвечивают почти во всех его работах.

ДУХ ПРИОБРЕТЕНИЯ

Введение: В течение семнадцатого века в Европе начал формироваться определенный коммерческий рынок произведений искусства и антиквариата.Из всех центров этой новой индустрии именно в Нидерландах коммерциализированное потребление искусства было наиболее ранним. Сами художники воспользовались новой тенденцией и стали рассматривать искусство как вложение. Два величайших художника в регионе семнадцатого века — Питер Пауль Рубенс и Рембрандт ван Рейн — имели огромные коллекции произведений искусства. Привычки Рембрандта к коллекционированию в конечном итоге разрушили его финансовое благополучие, в то время как Рубенс, похоже, был гораздо более проницательным коллекционером.В этом письме, которое он послал английскому послу в Голландии в 1618 году, он приводит в действие процесс, который позволит ему обменять некоторые из своих полотен на антиквариат Дадли. Письмо показывает, каким хитрым и несколько коварным торговцем был Рубенс.

Превосходнейший сэр:

По совету моего агента я узнал, что ваше превосходительство очень склонно вести со мной некоторую сделку по поводу вашего антиквариата; и это вселило во меня надежду на благополучие этого дела, когда я увидел, что вы серьезно занимаетесь им, назвав ему точную цену, которую они вам обошлись: в этом отношении я полностью хочу довериться вашему рыцарскому слову.Я также готов верить, что вы приобрели их с совершенным рассудком и осмотрительностью; хотя известные люди обычно при покупке и продаже имеют какой-то недостаток, потому что многие люди готовы рассчитывать цену товара по степени покупки, к которой я больше всего не отношусь. Ваше Превосходительство может быть вполне уверено, что я установлю цены на свои картины, как если бы я продавал их наличными деньгами; и в этом я прошу вас довериться слову честного человека.В настоящее время в моем доме хранится самый цветок из моих картинок, в частности, некоторые картины, которые я сохранил для собственного удовольствия; нет, некоторые у меня перекуплены по большей цене, чем я продал их другим; но все будет к услугам вашего превосходительства, потому что краткие переговоры мне нравятся; каждая сторона дает и получает свое имущество одновременно; и, честно говоря, я настолько завален работами и заказами, как государственными, так и частными, что в течение нескольких лет я не могу распорядиться собой.Тем не менее, в случае, если мы согласимся, как я предполагаю, я обязательно закончу как можно скорее все те фотографии, которые еще не полностью завершены, хотя названы в прилагаемом списке, и те, которые закончены, я немедленно отправлю Ваше великолепие. Короче говоря, если ваше превосходительство решит полагаться на меня так же, как я на вас, дело сделано. Я с удовольствием отдаю Вашему Превосходительству картины от моей руки, перечисленные ниже, стоимостью в шесть тысяч флоринов, по текущей цене наличными деньгами, за весь тот антиквариат, который находится в доме Вашего Превосходительства и которые у меня есть. список еще не видел, и даже номера не знаю, но во всем верю вашему слову.Те картины, которые закончены, я немедленно отправлю Вашему Превосходительству, а для остальных, которые останутся в моей руке, я назову надежную защиту Вашему Превосходительству и закончу их как можно скорее. Тем временем я подчиняюсь тому, что ваше превосходительство завершит с моим агентом г-ном Фрэнсисом Питерсеном, и буду ждать вашей решимости, со всей искренностью рекомендуя себя милостивому милосердию вашего превосходительства, и с благоговением целую ваши руки …

источник: Питер Пауль Рубенс, «Письмо сэру Дадли Карлтону, апрель 1618 года» в Документальная история искусства. Т. II. Эд. Элизабет Гилмор Холт (Гарден-Сити, Нью-Йорк: Doubleday Books, 1958): 190–191.

Дух его работы.

Хотя раннее развитие и обучение Рубенса основывались на традициях фламандского реализма, процветавшего в этом регионе с пятнадцатого века, дух его работ совсем не фламандский по вдохновению. Ему посчастливилось объединить течения итальянского искусства, которые процветали в различных центрах полуострова на протяжении предыдущих поколений.В то же время он вывел их на новый уровень синтеза и монументальности, который отвечал новым вкусам покровителей и правителей эпохи барокко в Северной Европе. Одним из его самых важных заказов было создание серии картин для украшения Люксембургского дворца королевы Марии Медичи в Париже. Всего было 21 такое массивное полотно, выполненное между 1621 и 1625 годами для королевы, которая с 1610 года служила регентом ее сына Людовика XIII. Фактически, жизнь Марии Медичи была отмечена многочисленными неудачами, перемежающимися случайными. политические успехи.Однако Рубенс воспринимал этот огромный проект таким образом, чтобы использовать его огромные классические знания. Повсюду Мари изображена под защитой олимпийских богов. Из этих работ одной из самых отполированных является его картина «Анри IV, получающая портрет Марии Медичи », холст размером почти 10 на 13 футов. Ниже справа изображена фигура Генриха IV, который рассматривает представленное изображение своей будущей невесты Марии Медичи. к нему двумя ангельскими посланниками. Позади короля богиня Минерва советует стареющему королю принять Мари как свою вторую жену, а наверху Юпитер и Юнона смотрят вниз на сцену с обещанием благословить союз.Великолепно нарисованный павлин, иконографический атрибут богини Юноны, выделяется на фоне бурного, заполненного облаками неба, а внизу до самого горизонта простирается безграничный пейзаж. В живописном цикле Рубенса изобиловали и другие жемчужины, и отношения, которые он установил с королевой в результате, были давними. Она хотела поручить ему написать вторую серию, которая должна была прославить не ее собственную жизнь, а жизнь ее покойного мужа. Но когда возникли проблемы с оплатой гонорара Рубенса за первый 21 холст, он отказался.Когда ее сын вступил на престол и отношения между матерью и сыном испортились, Мария Медичи была вынуждена покинуть страну. Она разыскала Рубенса и какое-то время жила с ним, что свидетельствовало о тесной связи, которую установила их профессиональная ассоциация.

Ван Дайк.

Питер Пауль Рубенс обучал многих студентов и имел несколько учеников в своей студии в Антверпене за свою относительно долгую жизнь. Многие из этих фигур стали производить любое количество произведений, похожих на ремесленников, после его смерти, которые сохранили, хотя и менее ярким образом, видение великого художника на какое-то время.Из всех деятелей, контактировавших с мастером, Энтони Ван Дейк (1599–1641) был единственным членом мастерской Рубенса, добившимся всеобщего признания и широкой европейской репутации. Он сделал это, несмотря на свою относительно короткую жизнь. Как и Рубенс, Ван Дайк находился в культурном и воспитанном кругу гуманистически образованных интеллектуалов, процветавших в Антверпене в начале семнадцатого века. На него очень сильно повлиял стоицизм великого философа своего времени Юстуса Липсиуса, в то время как многие его картины, как и картины Рубенса, отображали поразительное католическое благочестие.Тем не менее, в отличие от своего учителя, таланты Ван Дейка наиболее ярко проявились, когда он работал над небольшими религиозными произведениями и портретами, а не над большими публичными алтарями и историческими темами, хотя в этом последнем жанре он действительно внес значительный вклад. Рубенс писал портреты с большой неохотой, хотя к концу своей карьеры он стал выполнять гораздо больше этих заказов. Большую часть своей жизни он предпочитал величественный образ действий, необходимый для выполнения огромных поручений, установленных его аристократическими и королевскими покровителями.В отличие от этого, Ван Дайк упивался портретной живописью и в своих путешествиях по своей родине, Англии и Италии, он получил для них многочисленные заказы. Различия в темпераменте ученика и его учителя наиболее очевидны при сравнении их портретов. Рубенс окружил своих подданных атрибутами аристократического величия, и он пришел к тому, чтобы наделить их выражения и поведение атрибутами, свидетельствовавшими об их интеллекте и достоинстве. Ван Дайк, напротив, предпочитал изображать своих персонажей в пейзажах или в другой, более неформальной обстановке и наделил их аристократической легкостью и самоуверенностью.Его самые удачные работы пропитаны атмосферой утонченности и даже утонченности. Один из самых известных из них, Карл I на охоте , был написан около 1635 года, сразу после того, как художник вернулся в Лондон незадолго до конца его жизни, где он должен был жить четыре года. Король стоит на вершине небольшого холма, вытянув руку с тростью, поставленной на землю, как будто желая заявить свои права на охотничьи угодья, которые простираются вокруг него. Позади него паж присматривает за своей лошадью, а дерево затеняет всю сцену.Чарльз показан без каких-либо типичных атрибутов королевской семьи, а его распущенные кудри и колючая треуголка предполагают его репутацию «Кавалер-короля», но в то же время указывают на его собственную общепризнанную склонность к снисходительности и изнеженности. Это любопытная поза для королевского особа, который, как и Карл, утверждал, что правит по божественному праву. Он изображает идеал эпохи Возрождения sprezzatura или «изящную непринужденность», которую Бальдассаре Кастильоне и авторы английских книг о поведении рекомендовали как ценные атрибуты для тех, кто желающие добиться успеха в суде.По сравнению с величавыми и внушительными изображениями Людовика XIV, которые вскоре должны были выразить претензии французского короля на абсолютное правление, картина Ван Дейка Карл I на охоте является своеобразным выражением королевской власти. Тем не менее, визуальный язык художника широко восхищался итальянскими и английскими аристократами, которых он рисовал, и он многократно повторял эту формулу за свою короткую карьеру.

Закат фламандской живописи.

После смерти Рубенса в 1640 году и Ван Дейка год спустя ведущим фламандским художником стал Якоб Йорданс (1593–1678).И Рубенс, и Ван Дайк были отмечены за свои великие достижения при жизни, оба были посвящены в рыцари в нескольких судах, в которых они работали. Напротив, Йорданс прибыл для получения судебных поручений из небольших государств в Северной Европе только после смерти Ван Дейка и Рубенса, а его искусство полностью игнорировалось во Франции, Англии, Испании и Италии. Он пришел, чтобы занять для себя нишу в гораздо менее изысканном кругу, чем тот, в котором двигался Ван Дайк. В то время как он достиг великих моментов композиционной ясности и волнения в своем искусстве в течение нескольких лет сразу после смерти Рубенса, его работы, как правило, впадали в шаблонные композиционные стратегии в его преклонном возрасте.Он обратился в кальвинизм в 1656 году, а после этой даты получил несколько комиссий от территориальных князей Германии и дома Оранских. Однако ограниченность его карьеры была симптомом перемен, происходивших во Фландрии, поскольку этот регион неуклонно обеднел в результате великих сдвигов, произошедших в торговле, политике и религиозной жизни в Нидерландах. Йорданс не был последним представителем выдающихся фламандских художников; города региона продолжали производить множество маститых художников на протяжении всего семнадцатого века.Однако, как и Йорданс, ни одна из этих фигур не должна была привлечь общеевропейскую репутацию или продемонстрировать такой же высокий уровень творческого гения Рубенса и Ван Дейка.

Живопись в Северных Нидерландах.

На севере, в провинциях, которые успешно вели войну против испанского владычества, только начинала разворачиваться великая эпоха культурного и финансового успеха. Хотя война с Испанией снова разразилась в 1621 году, угроза со стороны Габсбургов неуклонно уменьшалась. К тому времени, когда в 1648 году была официально признана независимость Соединенных провинций, Амстердам и другие крупные города Голландии, крупнейшие из семи провинций страны, долгое время пользовались своей независимостью и к тому времени были главными торговыми центрами Европы.Здесь банковское дело, судоходство, промышленное производство и новые виды финансовой деятельности. услуги, такие как страхование и торговля акциями, начали формировать, несомненно, современную экономику. Относительная терпимость этих городов означала, что анабаптисты, евреи, греческие православные и множество других религиозных групп устремились в регион. Искусство стало играть совершенно иную роль в этой новой экономике, поскольку кальвинизм запретил религиозное искусство в церквях. В результате великие голландские мастера сконцентрировались на пейзажной живописи, портрете и других жанрах, носивших преимущественно светский характер.Комиссии аристократов и богатых купцов были важны для многих фигур, которые рисовали в Нидерландах в семнадцатом и восемнадцатом веках. Но в то же время в Голландии семнадцатого века очевиден беспрецедентный феномен: возникновение общественного рынка искусства. Чтобы поддержать себя в финансовом отношении, голландские художники приезжали продавать свои работы дилерам, которые обслуживали многие богатые и средние ряды торговцев в этих городах. Города регулировали эти рынки, но данные свидетельствуют о том, что искусство вошло в коммерческую жизнь Голландии и других голландских провинций очень интересным образом.Теперь это был товар, имеющий ценность, и сбор и продажа работ крупного мастера были одним из способов увеличения дохода. Арт-объекты тоже использовались для страхования кредитов и погашения обязательств. На этом новом рынке присутствовал определенный риск, и многие, кто на нем пробовал себя, должны были обнаружить. Капризы вкуса и избыток предложения иногда снижали стоимость крупных работ. Рембрандт, величайший мастер Голландии семнадцатого века, был плодовитым художником, но в то же время страстным коллекционером и торговцем чужими работами.Его расходы по этому поводу привели к банкротству, когда он не смог окупить свои вложения. Забота о качестве великих шедевров породила одни из первых судебных дел, касающихся художественной подделки, поскольку высокое уважение, которым пользовались некоторые художники, стало коммерческим товаром. Все это означало, что искусство приобрело больший престиж в этом недавно урбанизированном обществе, и, следовательно, гораздо больше художников прошли обучение и занялись этой профессией, чем раньше. В то время в Нидерландах родилось множество мелких мастеров, многие из которых сегодня совершенно неизвестны, другие — высокого качества и репутации.Художники тоже стали специализироваться: одни создавали изображения только лодок и гаваней, другие — садовые пейзажи, сцены с застольями, сражения и т. Д. Парадоксально, но по мере того, как все больше и больше художников соревновались друг с другом, цены, которые они могли устанавливать за свои работы, падали. К середине семнадцатого века Амстердам и другие крупные голландские города столкнулись с переизбытком картин, что привело к снижению цен на произведения искусства.

Рембрандт.

Рембрандт ван Рейн родился у мельника из Лейдена и был одним из младших из десяти детей.Хотя он происходил из относительно скромных обстоятельств, он посещал латинскую школу в Лейдене, прежде чем поступить в университет в возрасте четырнадцати лет. Там он обрел стремление стать художником и вскоре стал учеником местного мастера, прежде чем отправиться в Амстердам на шесть месяцев учиться в 1624 году. Точное развитие его искусства в эти ранние годы трудно оценить, хотя по В 1625 году он вернулся в Лейден, где его работы вскоре начали покупать арт-дилеры. Примечательно, что в отличие от Рубенса и многих великих североевропейских мастеров того времени, Рембрандт никогда не проводил время в Италии в качестве студента или в более поздние годы.Он был гением, произведенным исключительно на местной голландской сцене, и то, что он знал об искусстве эпохи Возрождения и Италии в стиле барокко, в основном приходил к нему через гравированные копии. Даже на раннем этапе его карьеры отличительные черты его стиля были очевидны. Он понимал отличительные колористические возможности масляных красок и наносил их толстыми, застроенными проходами, известными как импасто. Во многих случаях ему приходилось экспериментировать с новыми техниками, которые разрабатывали другие художники того времени.Иногда, например, в его работах использовалась светотень Караваджа , чтобы создать драматизм и внушить турбулентность. Тем не менее, в этом и в других отношениях Рембрандт продемонстрировал своеобразное художественное видение, которое он развил с помощью этих техник в свой собственный неповторимый визуальный язык. Рабочие приемы, которые Рембрандт разработал в эти первые годы, также были примечательны и демонстрируют растущее проникновение капиталистических ценностей на голландский рынок искусства. Рембрандт, например, заключил союз с художником Яном Ливенсом.Вместе они наняли натурщиков, позировали их и нарисовали свои собственные видения одного и того же предмета, таким образом сократив вдвое свои расходы на создание картины. Рембрандт отвернулся от своего раннего успеха в Лейдене в 1631 году и переехал в соседний Амстердам, город, который быстро приобретал идентичность метрополии Голландии. Он пришел работать к торговцу произведениями искусства, который нашел ему заказы как портретист, и вскоре он женился. За несколько лет он создал студию, которая обслуживала процветающий арт-рынок.Его дилер Хендрик ван Эйленберг обслуживал большую и разнообразную клиентуру и предлагал этим потребителям что-то во всех мыслимых ценовых диапазонах. Чтобы удовлетворить этот спрос, Рембрандт создал большую студию, где художники копировали его собственные и другие итальянские работы, популярные в то время, или в которой они создавали небольшие работы или трони. Трони был особенно популярный голландский жанр, в котором был взят портрет натурщика в исторической или мифологической роли. Сам Рембрандт в 1630-х годах уделял собственное внимание главным образом заказным портретам, хотя он действительно написал ряд библейских сцен, а также традиционное католическое религиозное искусство по заказу церквей и религиозных учреждений за рубежом.В течение этого периода у него было мало времени, чтобы потакать своей любви к гравировке, хотя позже он осознал коммерческие возможности, присущие этому средству, поскольку одна гравюра могла быть продана через дилеров сотням клиентов.

Ночной дозор.

К 1642 году успех Рембрандта на сцене Амстердама был обеспечен. В том году он посвятил почти все свои силы завершению великого военного портрета, который с тех пор стал известен как Night Watch . Название на самом деле неправильное.Спустя десятилетия после покраски на картину был нанесен толстый слой лака. Когда реставраторы удалили этот слой в 1975 году, они обнаружили, что он был нарисован так, как будто сцена происходила при полном дневном свете. Политическая власть в голландских городах часто осуществлялась корпорациями, и в результате в семнадцатом веке быстро развился феномен «групповых портретов», увековечивающих те советы, комитеты и учреждения, которые руководили общественной жизнью. Night Watch — один из таких портретов.Он касается гражданского ополчения, которому была поручена защита Амстердама. В отличие от большинства предыдущих обработок группы, творческий портрет Рембрандта установил новый стандарт для таких работ. На центральном переднем плане картины Рембрандт изобразил фигуру капитана Кока, а вокруг него он поместил удивительно активный шум барабанщиков, знаменосцев и ополченцев. Таким образом, в неразберихе, присущей всем военным начинаниям, Рембрандт обнаружил повествовательная цель группового портрета.Хотя легенды веками утверждали, что картина Рембрандта не была хорошо принята, на самом деле она имела немедленный успех. В условиях растущей утонченности Амстердама как художественного центра мало кто заботился о том, что стремительная композиция художника, казалось, затемняла лица некоторых из членов труппы. Вместо этого они восхищались изобретательностью, с которой Рембрандт решил проблему создания, казалось бы, естественной обстановки для захвата ополченцев.

ДОГОВОРНЫЕ ДОГОВОРЫ

введение: Несмотря на высокое уважение к художникам в Нидерландах семнадцатого века, рынок нового искусства был неопределенным местом.Рембрандт ван Рейн много инвестировал в предметы старины и искусство на протяжении большей части своей жизни, но в середине 1650-х годов его расточительные траты настигли его, и он был вынужден объявить о банкротстве. Какое-то время он был заключен в тюрьму, прежде чем вновь обрел свободу. В течение нескольких лет гражданская жена Рембрандта Хендрикье Стоффельс и его сын Титус разработали договор, по которому великий художник стал их сотрудником. Таким образом он смог обойти своих кредиторов и продолжить рисовать, создав выход из финансового кризиса семьи.Следующее соглашение, датированное 15 декабря 1660 года, ясно раскрывает природу партнерства между Титом и Хендрикье Стоффельс.

15 декабря 1660 года Титус, которому помогает его отец, [Рембрандт ван Рейн] и Хендрикье Стоффельс, достигший совершеннолетия и которому помогает опекун, выбранный ею для этой цели, заявляют, что они согласны провести определенное компания и бизнес, начавшиеся за два года до них, в картинах, изображениях на бумаге, гравюрах и ксилографиях, печати этих диковинок и всего, что к ним относится, до шести лет после смерти вышеупомянутого Рембрандта ван Рейна при следующих условиях :

Во-первых, что Титус ван Рейн и Хендрикье Стоффельс будут вести домашнее хозяйство и все, что к нему относится, за свой совместный счет и совместно оплатив все свое имущество, мебель, картины, произведения искусства, диковинки, инструменты и т. Д. , а также арендную плату и налоги, которые они будут продолжать делать.Кроме того, обе стороны вложили в партнерство все, что у них есть, и, в частности, Титус ван Рейн принес свои дары крещения, свои сбережения, свои личные заработки и другое имущество, которым он все еще владеет. Все, что каждая из сторон зарабатывает в будущем, должно быть общим. Согласно процедурам этой компании, каждый должен получать половину прибыли и нести половину убытков; они должны оставаться верными друг другу во всем и в максимально возможной степени обеспечивать и увеличивать прибыль компании.

Но поскольку им нужна помощь в их бизнесе, и поскольку никто не может быть более способным, чем вышеупомянутый Рембрандт ван Рейн, договаривающиеся стороны соглашаются, что он будет жить с ними и получать бесплатное питание и жилье и освобождение от хозяйственных вопросов и арендной платы. при условии, что он будет, насколько это возможно, продвигать их интересы и пытаться получить прибыль для компании; на это он соглашается и обещает.

Вышеупомянутый Рембрандт ван Рейн, однако, не будет иметь доли в бизнесе, и он не будет иметь никакого отношения к домашним вещам, мебели, искусству, диковинкам, инструментам и всему, что к ним относится, или к чему бы то ни было в ближайшие дни и годы будет в доме.Таким образом, договаривающиеся стороны будут иметь полное владение и будут уполномочены против тех, кто будет возбуждать дело против вышеупомянутого Рембрандта ван Рейна. Поэтому он отдаст все, что у него есть или что может отныне приобрести, договаривающимся сторонам, сейчас, а также тогда, а затем и сейчас, не имея ни малейших претензий, исков или правового титула, или сохраняя что-либо под каким-либо предлогом.

источник: «Соглашение между Титусом Ван Рейном и Хендрикье Стоффельс» в Документальная история искусства. Т. II. Эд. Элизабет Г. Холт (Гарден-Сити, Нью-Йорк: Doubleday Books, 1958): 204–206.

Поздние неудачи.

За огромными успехами Рембрандта в Амстердаме вскоре последовала серия неудач в последние два десятилетия его жизни. Финансово обеспеченный, художник начал вкладывать все больше своего богатства в покупку произведений искусства и антиквариата. Эти покупки закрепили за художником претензии на джентльменский статус, чего он, кажется, давно желал. Хотя он использовал многие из своих приобретений, чтобы помочь сформулировать свои собственные художественные творения, он в то же время пришел к широким спекуляциям на рынке искусства, что привело к все более катастрофическим последствиям.В 1656 году он объявил о банкротстве, и его коллекция была в значительной степени ликвидирована для выплаты долгов. Этот кризис произошел в то время, когда ценности на арт-рынке Амстердама сильно пострадали, и многие произведения из его обширной коллекции были проданы за небольшую часть их стоимости. Вскоре был продан и его дом, а художник с детьми переехал в гораздо более скромную резиденцию. В последующие годы художник смог продолжить рисовать в рамках необычного юридического оформления. Его сын и гражданская жена образовали партнерство, а сам Рембрандт стал их сотрудником.Это защитило творения Рембрандта от изъятия в счет погашения его долгов. Большое количество комиссий предпринятые в это время указывают на его непрекращающуюся популярность в Амстердаме, и его состояние снова выросло. Еще одной тактикой, которая помогла семье восстановить свое состояние, было решение Рембрандта вернуться к гравюре. В эти более поздние годы, несмотря на продолжающееся давление обязательств и финансовые и юридические проблемы, Рембрандт также продолжал писать свой автопортрет, как он делал на протяжении всей своей карьеры.К моменту смерти он выполнил почти семьдесят из них, а также сотни своих рисунков и множество гравюр. Это свидетельствует о его взрослении как художника, даже если они дают почти бесконечное психологическое понимание мастера. В его религиозно-историческом сочинении глубокое духовное благочестие также все более ярко проявляется в его произведениях более поздней жизни.

Другие мастера.

Блестящий период голландской живописи семнадцатого века произвел то, что сегодня выглядит почти бесконечной кавалькадой пейзажей, жанровых картин и портретов.В отличие от монументального характера многих творений Рембрандта и Рубена, большая часть голландской живописи была скромной, приспособленной для размещения в относительно небольших голландских таунхаусах. Рассмотрение всех выдающихся голландских художников, появившихся в это время, выходит за рамки настоящего тома. Однако среди наиболее известных — Ян Стин (1625 / 26–1679), Питер Саенредам (1597–1665), Франс Хальс (ок. 1585–1666) и Ян Вермеер (1632–1675). Стин был особенно известен своими изображениями голландской домашней жизни, показывая переполненные интерьеры, заполненные шумными семьями.Среди этого шума Стин включил моралистические детали, которые должны были напомнить зрителям его картин о преходящей природе человеческой жизни. Его плоды гниют на столе, напоминая о последствиях чрезмерного увлечения, которым часто занимаются его подданные. На голландском языке его искусство было вдохновить фразу «Дом Яна Стина» на мысль о домашнем беспорядке. Напротив, Питер Саенредам завершил ряд реалистичных видов голландских церквей и общественных зданий. Его работы были созданы с невероятной тщательностью, и, хотя его продукция была довольно небольшой, его изображения демонстрируют поразительное внимание к высокоинтеллектуальным композиционным техникам.Специализируясь на портретной живописи, Франс Хальс был почти равным великому Рембрандту. Хотя его искусство не содержит такой глубины внутреннего понимания, как великий мастер, его работы охватывают весь спектр человеческих эмоций, от гениальных до задумчивых и демонических. Возможно, величайшим из этих «маленьких мастеров» был Ян Вермеер, художник, который в свое время не имел репутации великого человека, но сегодня указывает на неоспоримое величие голландской живописи семнадцатого века. Как Ян Ван Эйк и более ранние фламандские художники В пятнадцатом веке Вермеер обладал способностью наделить повседневные человеческие действия тихим благородством.Его эксперименты со светом и реализмом сегодня кажутся поразительными из-за их почти фотографической четкости, но в то же время они, кажется, передают мистическую интенсивность драгоценного характера человеческой жизни. Для достижения своих тонких оптических эффектов Вермеер, скорее всего, полагался на камеру-обскуру, через которую он смотрел, чтобы более эффективно визуализировать мир. Его работа была небольшой, возможно, не более 60 картин при его жизни. Из них сегодня выживают только 35 человек. Обширные исследования, проведенные над этими работами, показали, что Вермеер часто переделывал и перекрашивал свои композиции, что объясняет его относительно небольшой объем работ.В отличие от многих наиболее плодовитых художников того времени, Вермеер, вероятно, создавал только две-три работы в год, в отличие от многих «маленьких мастеров», которые за свою жизнь написали сотни, даже тысячи работ. Тем не менее, то, что сохранилось от руки Вермеера, указывает на невероятную изощренность его художественных приемов, а также на разнообразие живописных видений, которые плодотворно сосуществовали бок о бок в Нидерландах семнадцатого века.

источников

Даниэль Арасс, Вермеера: Вера в живопись (Принстон: Princeton University Press, 1994).

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *